在布料与光影之间：戏服设计师王吟雪的剧本

如果把一部作品的剧本比作骨架,那么在戏服设计师王吟雪眼中,服装就是贴在骨架上的“第二层剧本”。面料、剪裁、颜色与旧化痕迹,都是她用来讲故事的词汇。

从时装到戏服:抵达纽约舞台中心

常驻纽约的王吟雪,是一位活跃于歌剧、戏剧、电影及数字媒介的戏服设计师。她毕业于美国戏剧名校卡内基梅隆大学(Carnegie Mellon University)戏服设计MFA项目,早年于东华大学和日本文化服装学院接受时尚设计的教育,在实践中她逐渐将兴趣从“穿什么好看”,转向“穿什么能讲故事”,这让她将方向转向了戏服。

这一背景让她在造型结构、面料选择与文化语境的结合上,拥有天然优势。对她来说,一件戏服既要服务角色塑造,也必须成为叙事的一部分——人物的出身、隐秘欲望和内心冲突,都可以通过一块面料的花纹、一道缝线的位置被“看见”。

舞台上的人物学:从匹兹堡到外百老汇

进入表演艺术行业后,王吟雪一直在美国舞台与影视前线工作。她担任外百老汇舞台剧、独立电影、短片与歌剧项目的主戏服设计师,与导演、美术、灯光团队共同搭建作品的整体视觉世界。

在匹兹堡歌剧院 (Pittsburgh Opera) 制作的歌剧《Armida》中,她担任主戏服设计。面对一部在奇幻与古典之间摇摆的作品,她选择用自然材质色系与人造金属材质的冲突,去呈现角色在爱情忠诚与征服欲望之间的撕扯:轻盈、流动的面料与冷硬、闪烁的金属在同一舞台上并置,服装因此拥有了情绪。观众不需要任何台词,就能从角色的服装里感知戏剧冲突,也让这部作品在业内获得积极评价。

在外百老汇舞台剧《七月半的遗愿清单》(Of Ashes and Souls)中,她则转向对多文化语境与象征叙事的探索。灵异、家庭、仪式交织在一起,她选择用克制的造型语言与精美的细节,让戏服成为剧情节奏的“隐形推手”。在不同场景与光线下,衣服层次的细微变化,暗示着时间与空间在剧中不断转换,帮助观众深陷在轮回中的朦胧状态。

从中国乡村到爱丁堡:一段被“穿出来”的时代记忆

在外百老汇剧作《俺抬杠》中,王吟雪负责全剧戏服设计。作品风格强烈、身体性表达鲜明,将视线投向20世纪80年代的中国农村。这部作品已于今年春季于纽约演出,并于8月赴苏格兰爱丁堡艺穗节 (Edinburgh Festival Fringe) 亮相。

为此剧设计服装时,她从大量历史照片、口述记忆与文献资料中汲取灵感,将当时的社会结构、劳作环境和物资状况转译为具体的衣着形态。粗布、棉麻、反复洗涤后的褪色感、打衣丁的工装裤......这些细节共同构成了作品的时代质地。在她的处理下,戏服不再只是人物的“穿着”,而是承载了那一代人的生活痕迹与社会记忆,为作品增加了一层可触摸的历史真实感。

走向镜头:与曾国祥导演合作《AsWritten》

除了舞台,王吟雪近年也将创作重心部分延伸至电影领域,成为剧组中负责“视觉叙事”重要环的戏服设计师。

在最新的电影项目中,她在由奥斯卡提名导演曾国祥执导的影片《As Written》担任戏服设计。相比大型舞台,电影镜头更为苛刻——一针一线、一处褶皱都可能在大银幕被放大。在这次合作中,她从人物的职业身份、成长背景到心理变化出发,与导演及美术团队反复推敲角色在不同时间节点的造型。

“观众可能不会刻意记得每一件衣服,”她说,“但他们会记得一种气质、一种状态——那就是服装在发挥作用。”

服装作为“第二层皮肤”

无论是在歌剧院、百老汇剧场,还是在电影片场,王吟雪始终坚持一个核心观点:服装是角色的第二层皮肤,也是观众通往角色内心的一座桥。

她的创作范围横跨历史写实与未来幻想、身体剧场与沉浸式叙事,展现出高度的跨媒介适应力。对面料触感、布光后的反射效果、衣物在身体运动中的动态表现,她都保持着近乎苛刻的敏锐度——因为在她看来,一套戏服只有在“动起来”的时候才算真正完成。

创作之外,她也持续参与设计研究与学术对话,关注身份建构、文化符号与权力关系在服装中的呈现方式。她不断追问:在当代语境下,服装能否不止是“再现”,而成为介入现实、发出观点、甚至进行温和批判的工具?

正在进行的创作与合作

目前,王吟雪正同时推进多个跨界项目,包括新的舞台作品、影像计划以及多媒体表演合作。她在纽约长期工作,与来自不同国家和背景的导演、表演者与视觉团队保持合作,持续在歌剧、戏剧和电影之间切换与对话。

在后续的创作中,她将继续以服装为入口,关注角色塑造与叙事结构之间的关系,探索服装在不同媒介、不同文化语境中所能承担的功能——从还原具体时代与现实场景,到为作品提供一种稳定而清晰的视觉秩序。(文/王锐)