在混合现实与文化边界之间——对刘曼姝的一次深度专访

“如果观众看见的是表面光影，那我更关心他们在五秒钟后情绪的转变。”采访开始十分钟，刘曼姝终于慢慢合上笔记本，对我说道。她的语调不高，却让人难以忽视每一个词。阳光穿过绿植在桌面洒下斑驳的影子，我们谈的是未来，也谈的是过去。

从加州大学戴维斯分校到佛罗里达国际大学，从线下剧场到虚拟互动，从舞台剧《旧时光》的剧本创作、导演及服装设计，到跨平台AR广告内容的构建者，刘曼姝不断拓展着“多媒体艺术家”这五个字的边界。她不习惯谈“职业成功”，但数据和案例让她在同行间获得了极高的辨识度。尤其是在她完成的“AI绘画商业应用合规指南：版权管理+工作流优化+变现策略”“元宇宙时代营销实战：AR广告设计与虚拟空间搭建技术解析”等原创成果发表之后，她的身份已不仅是创作者，更成为行业方法论的参与者与建构者。

她并不把“技术”看作创作的核心——至少不是孤立的技术。“我真正着迷的是：当一种媒介出现在观众面前，是否有能力成为他们情感与记忆的锚点。”她补充说，技术本身固然重要，但决定意义的，往往是它与人之间的距离、节奏与介入方式。这种经验，也影响了她之后在多个项目中所确立的互动逻辑——观众不再是接收者，而是被内容召唤的参与者。这种理解，也逐渐渗透进她所提出的“文化IP光影化”策略与沉浸式叙事路径设计中。

“你在和谁对话？是算法？还是观众？还是一个看不见的、潜在的文化集体？”面对我的提问，她顿了几秒，没有立即作答。她说，很多时候，项目启动的起点，并不是“要表达什么”，而是“怎么构建一个让人愿意停下来的系统”。这个系统里包含了技术决策，也包括了文化策略，比如“城市文化IP全周期孵化指南：从符号提取到商业变现”中提出的“超级符号提取”与“在地文化诊断”，已经被国内多个文旅投资机构列入数字内容策划模板。

她是系统性思维的坚定信仰者，同时也是一位风格化极强的作者。比如那件代表作《wHat is happEning duRing the covid-19》，一个结合3D雕塑与灯光装置的交互作品，展现了疫情这一宏大叙事之下，那些在疫情期间被系统性忽视的女性困境与未被看见的成就。该作品结合3D雕塑与灯光装置，通过拼贴与遮蔽的空间布局，引导观者感受压抑、孤立与内在抗争之间的张力。“当技术让表达变得更快速，也更标准化时，我更在意的，是怎么把它重新人性化。”她的这句话，让我联想到她在学术文章《Virtual Interaction Creates Parasocial Interaction: How Intellectual Property (IP) Characters Build Emotional Connections with Customers》中提出的概念：虚拟情境不应只是交互手段，更是建构关系的伦理场。

与很多年轻创作者不同，刘曼姝并不将“成为某某平台的主力内容人”当作目标。她更愿意将个人创作体系外延至机构与城市之间。“我做IP、做系统、做指南——不是因为它们能迅速变现，而是因为它们能被人重复使用。”她所构建的“企业级数字展厅建设技术白皮书：从Touch Designer到投影Mapping”被纳入多个实践项目的设计参考，逐步成为评估沉浸式空间改造路径时的通用范式，也推动了相关行业从内容创意向系统构建的转型思路。

谈及接下来的工作重点，刘曼姝表示，她更关注如何让自己的跨文化创作经验与内容系统，在一个兼具创造力与结构性的环境中持续演化。“我在尝试把原本松散的项目逻辑，转化为更具标准化与生命周期管理能力的内容基础设施。”她提到，当前正专注于一个新方向——围绕AI生成内容的IP生命周期管理与版权框架构建，希望为数字创作者提供一套可用、可控、可持续的内容合规路径。对于她而言，这不仅是一个技术命题，更是文化叙事、制度治理与商业逻辑交汇的实践场。

当我结束采访，离开那家阳光明媚的咖啡馆时，我隐约理解了她在笔记本上写下的那句话：“媒体不是传递声音的通道，它是声音的设计。”刘曼姝，并不只是一个多媒体艺术家。她更像一个方法论的设计者，一个深知视觉媒介政治性的人类学实践者，一个善于在混沌与秩序之间构建意义空间的叙述者。

在AI与感知交汇的时代，刘曼姝选择不站在浪潮上——她更想知道，浪潮的下层逻辑，是否值得我们持续投身其中。（作者：林靖然）